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Retrato de Adela Bloch Bauer

Retrato de Adela Bloch Bauer

El Retrato es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo. La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

A Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela marinera, con una ornamentación elaborada y compleja tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.

Como rico industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes y favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria.[3] En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la coleccióm Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos y sobrinas, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.

Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.

La decisión fue tomada en Austria con resignación. Luego de que los cuadros fueron enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.

La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que por años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi.

Lauder trabajó para esta meta mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la “World Jewish Restitution Organization”, y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robo nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: “Esta es nuestra Mona Lisa

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Pável Fedótov (1815-1852), fue un pintor realista ruso de corta trayectoria, motivada por su trájica y prematura muerte. También fue un oficial en la Guardia Imperial de San Petersburgo. Nació en Moscú en el seno de la familia de un oficial retirado. Después de terminar su formación como cadete sirvió en la Guardia Imperial en San Petersurgo.

Fedótov como muchos de sus colegas de la época, estaba interesado en las artes. Tocaba la flauta y atendía a escuelas vespertinas donde aprendió a pintar. Fedótov decidió centrarse en la pintura y dejó el ejército en 1844 con una pensión insignificante. Al principio, usó lápiz y acuarela pero cambió a la pintura al óleo a partir de 1846. Entró en el mundo del arte ya en la treintena. Durante su tiempo de servicio pudo pintar mucho, visitar el Ermitage y frecuentar la Academia de Artes. Despertado su amor al arte y apoyado por el pintor I. A. Krilov

La contribución de Fedotov al arte ruso fue inestimable: fue el primero en introducir en el cuadro la crítica de la sociedad contemporánea. Su única e inagotable fuente de inspiración eran los acontecimientos cotidianos que se desarrollaban a la luz del día. Fedótov comenzó con una serie de caricaturas, a las que llamó “Escenas crítico-morales de la vida cotidiana”, dibujadas a la sepia.

En 1846 el cuadro “Un caballero lozano” inagura una serie de cuadros cómicos y ácidos dedicados a la vida de la gente común. La sátira se torna implacable y reveladora en obras como “El desayuno del aristócrata” o “Encore, todavía encore” (en francés en el título original). En esta última comienza ya a mostrarse un mundo fantasmagórico en el que el juego de sombras disuelve la frontera entre sueño y realidad. A menudo la ironía del autor se tornó en compasión hacia el dolor y la injusticia en cuadros de triste lirismo como “La viudita”. Conmovedores y líricos son también una serie de pequeños retratos de amigos y otra gente cercana como el de N. P. Zhdanovich en el clavicordio.

Fedótov disfrutó de un breve periodo de éxito público en las exposiciones en San Petersburgo de 1849 y 1850, cuando – debido a las revoluciones de 1848 – sus conexiones cercanas con el Círculo Petrashevsky hicieron de él objetivo de la persecución gubernamental. La vida del artista terminó tragicamente a los 37 años ingresado en un hospital psiquiátrico.

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LA LIEBRE (Durero)

Alberto Durero destacó en el panorama artístico europeo de la época por sus múltiples facetas, entre las que su actividad de pintor no fue seguramente la principal. Durero fue ante todo un grabador de una calidad absolutamente excepcional. Pero también fue pintor, acuarelista, dibujante, platero e inspirador de plateros. Y no sólo eso: Durero fue además matemático, viajero, cronista y corresponsal.

No es de extrañar entonces que entre tanta y tan diversa actividad, sea realmente complicado definir el arte de Durero por etapas o ciclos. Por otra parte, su lenguaje
global resultó muy cambiante e incluso contradictorio en ocasiones. Inicialmente formado como platero en el taller de su padre, Durero fue moldeando un carácter artístico marcado por el fuerte conocimiento del trabajo artesanal, por un ineludible afán por lo minucioso y detallista, y por una consecuente tendencia a la expresividad y virtuosismo formal.

El anagrama de Durero sirve como siempre de firma, con la fecha de la obra. En acuarela, los espacios blancos tienen que dejarse en la cartulina antes de pintarla. Esto aumenta la dificultad de la técnica, una de las más difíciles por su gran elaboración y precisión. Usando un fino pincel, con la técnica de aguada y acuarela. Antes de eso, dibujó la liebre en su totalidad, algo que resalta su aspecto realista y perfecto. En la acuarela, las luces se hacen con anterioridad a la pintura, igual que los blancos del fondo. Además, no es como el óleo, donde si hay alguna equivocación se puede volver a pintar.
De entre los numerosos apuntes del natural que Durero tomó a lo largo de su carrera, encontramos esta espontánea acuarela que representa a una liebre. El naturalismo que la caracteriza nos habla de un trabajo de observación muy riguroso y de una gran maestría a la hora de plasmar la imagen del animal. El artista se ha detenido en cada pelo de la piel , en cada pequeño rasgo de la liebre, con un interés por la naturaleza y los seres vivos que resultaba nuevo en el panorama artístico de la época. Durero llegó a viajar cientos de kilómetros para poder retratar animales exóticos que llegaban a los puertos de Europa.
Durero en muchos de sus viajes se llevaba su libreta de apuntes para tomar notas de la realidad. Esta obra es fiel reflejo de esta idea, ya que seguramente habría visto una en realidad y tomó apuntes de ella para luego pintarla. Es fruto de su gran pasión pasión por la naturaleza y los seres vivos, algo novedoso en el panorama artístico. Los especialistas dicen que en el ojo de la liebre se puede ver reflejado el estudio del artista.

Sin duda, es una obra para contemplar, para admirar y da la sensación de ser cálida, suave. Una delicia para la vista, que actúa como tacto gracias al realismo del pelaje y de la expresividad de la liebre, que parece recogida para saltar posteriormente

Mucho más sobre la obra de Durero en este video

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